El proyecto nació con vocación cosmopolita, bajo la iniciativa particular del abogado y coleccionista gallego Javier Expósito, quien fue reuniendo durante décadas un ingente número de obra gráfica, acompañado en la aventura por su esposa Pilar. La fuerte vena coleccionadora le llevó, en sus múltiples viajes alrededor del mundo a adquirir obras de autores históricos y contemporáneos que actualmente superan las 29.000 estampas. A través de esta colección se puede trazar un amplio recorrido que abarca mas de cinco siglos de historia del grabado internacional y establecer un dialogo ininterrumpido entre autores clásicos y actuales. Destacamos entre ellos a Durero, Rubens, A. Van Dyck, Delacroix, M.Fortuny, Toulouse Lautrec, Matisse, Picasso, Alberti, Dalí, Saura, Millares, Canogar, Arroyo, Jorge Castillo (Premio Nacional de Arte Gráfico 2023), Alfonso Costa o Manuel Quintana Martelo. Tal diversidad logra que el museo se convierta en el espacio idóneo para comprender la evolución de la imagen impresa y su adaptación a los tiempos actuales.

En estos años de continuada actividad, el museo desarrolló una labor de catalogación, investigación  y difusión de sus fondos, consolidando su papel como foco de interés al organizar exposiciones, programas educativos, talleres didácticos y de creación de obra gráfica, o convocando el Premio Internacional de Grabado “Atlante”. Los nuevos retos, le llevarán en el futuro a seguir apuntalando  su papel único en el contexto español y europeo. Su ubicación en un lugar estratégico, en el paisaje paradisíaco de la costa atlántica, en la cercanía del complejo dunar de Corrubedo, las lagunas de Carregal y Vixán, añade al museo, un nuevo interés que se deriva de unas condiciones geográficas excepcionales. Y esta cuestión, en cuanto a la situación, viene a demostrar que no es necesaria para la trascendencia y peso de una institución museística y su anclaje en los circuitos artísticos, la pertenencia a una gran ciudad. La realidad demuestra lo contrario, y tampoco supone impedimento para el desarrollo del programa de intercambios pues el museo, referencia en su género, mantiene una constante relación y labor de préstamos temporales con otros centros internacionales.

La celebración del aniversario viene acompañada de la exposición  “Xaime Quessada. Imaxe Surreal de Galicia”, basada en un proyecto gráfico que marcó un hito en la producción de este autor en los años setenta y reúne 49 estampas que fueron recuperadas, restauradas e impresas para esta ocasión.

Xaime Quessada (Ourense, 1937-2007), poseía un poderoso lenguaje, en el que confluían  surrealismo, expresionismo e informalismo, que supo adaptar a cada etapa de su producción; tuvo la capacidad de aunar su fuerte compromiso, social e intelectual, especialmente significativo en las últimas décadas del franquismo y en los años de la naciente transición democrática. En su obra conviven la identidad gallega y la libertad de creación enfocada a objetivos universales, junto a la idea central de lo que debe ser el arte articulado en un espacio unido al pensamiento y a la memoria. En este aspecto, los principios del artista, entran en relación con la filosofía del MUGART entendida como punto de encuentro y donde el grabado mantiene la herencia del pasado y es materia que posibilita la reflexión y la capacidad de transmisión de valores estéticos y nobles inquietudes.

Algunos de los poetas, literatos y artistas, que formaron parte de esta generación irrepetible, encontraron en la lidia taurina, una forma de arte capaz de expresar, desde la tradición y la modernidad, las emociones más profundas donde se aliaban el valor, la belleza, la pasión y la tragedia. Federico García Lorca, Rafael Alberti, Pedro Salinas, José Bergamín o Gerardo Diego, y el grupo en su mayor parte, compartían similares propósitos y creencias y unían a la vocación por lo nuevo, la cultura popular española, especialmente la andaluza y como gran referente en el pasado, miraban a la literatura del Siglo de Oro plasmada esencialmente en la poesía de Luis de Góngora. 

Sin duda, la figura indiscutible que enlaza el mundo de la tauromaquia con la vanguardia que simbolizaba la naciente generación de creadores, está representada, en toda su dimensión humana y artística en Ignacio Sánchez Mejías (1891-1934). El torero sevillano de elegante técnica y profunda formación cultural, casado con Dolores Gómez Ortega, hermana de Joselito “El Gallo”, encarna el nexo entre el arte de la lidia y el núcleo vanguardista que conforma la generación. Aficionado a las letras, conferenciante y dramaturgo, de personalidad tan magnética como generosa, fue el verdadero artífice que aglutinó con sus buenas artes y carisma a los jóvenes literatos en un espacio común: literatura y tauromaquia, que él facilitaba poniendo sus convicciones, recursos económicos o de infraestructura al servicio de las necesidades en los comienzos de andadura del grupo. 

Su finca de Pino Montano era lugar de encuentros y jornadas, pero sin duda, uno de los puntos clave de su labor de mecenazgo fue su impulso en la celebración del tercer centenario de la muerte de Góngora, en el Ateneo de Sevilla en diciembre de 1927, donde se afirmó la conciencia de la Generación del 27. Sánchez Mejías costeó los viajes en tren de los asistentes y demás gastos derivados de la celebración.

La amistad con García Lorca estaba construida sobre pilares de afecto, complicidad, admiración y respeto mutuo y por esta razón el poeta granadino dejará para la historia, una de las obras cumbre de la poesía del siglo XX: “ Llanto por Ignacio Sánchez Mejias” (1935), nacida del dolor y la impotencia a raíz de la trágica muerte del torero en la plaza de Manzanares en la tarde del 13 de agosto de 1934. Ilustrado por José Caballero, también en el año 1961 el artista gallego argentino Luis Seoane (1910-1969), exiliado en Buenos Aires, abordó una versión en forma de libro con imágenes xilográficas de su autoría, publicado por la Editorial Losada. 

Rafael Alberti tradujo en versos el sentimiento que el espectáculo de la tauromaquia le inspiraba, y la constancia de esta atracción se incorporó a sus poemas donde volaban los ecos de ese universo, expresados con su genial ironía y amor por lo popular. Una de las últimas colaboraciones llevadas a cabo por el autor de “Marinero en Tierra” y la pintora Maruja Mallo, igualmente digna representante de esa generación, fue la publicación en el diario ABC ( 9 de noviembre de 1930), de los poemas “Chuflillas al niño de la Palma”, “Joselito en la Gloria” y “Seguidillas a una extranjera”, acompañados de una única ilustración de la artista donde hace mención simbólica al ambiente mágico y a los ritos de la fiesta.

De grandiosas superficies interiores y exteriores los futuristas espacios están destinados a acciones multidisciplinares, a exposiciones temporales y contará con una colección formada por más de 500 obras de artistas internacionales.

Partiendo de diferentes disciplinas artísticas y de la excepción de aunar en un edificio único la producción artística generada en países asiáticos, de Emiratos Árabes, Oriente Medio, África y Oceanía, el museo planea abordar inéditos planteamientos; el primero es la descentralización, un cambio de eje que se hará visible por medio de los programas de exposiciones temporales y otras áreas curatoriales que abrirán un abanico de posibilidades de acercamiento a otras culturas tradicionalmente alejadas de las políticas de Occidente.

Un objetivo principal es el fomento de innovadoras interpretaciones así como el establecimiento de una narración que parte de la revisión de la historia del arte sin planteamientos restrictivos. La integración de la diversidad artística en un diálogo constructivo y sin rupturas con anteriores etapas del arte es igualmente una meta a conseguir.  

Tras dos décadas de preparación, el equipo de conservadores ha elaborado una colección permanente que comienza en la década de los años sesenta, integrada por figuras representativas del arte norteamericano, europeo e hispanoamericano, como Mark Rothko, Jackson Pollock, Andy Warhol o Alexander Calder, junto a otros ejemplos de la modernidad contemporánea del pasado siglo y del actual: Jean Michel Basquiat, Niki de Saint Phalle, Bill Viola, Gerard Richter, Anish Kapoor, Anselm Kiefer, Angela Bulloch o Marta Minujin. Juntos establecerán un puente de entendimiento y estrecha relación  hasta el presente con artistas pioneros de la región, de países asiáticos y del sur global, entre los que se encuentran  Hassan Sharif (EAU), Monir Shahroudy Farmanfarmaian (Irán), Dia al-Azzawi ( Irak ), Ai Weiwei ( China ), o Yayoi Kusama ( Japón ) y contemplando la existencia de otras voces menos documentadas y de culturas emergentes. El diálogo sin jerarquías mostrará la creatividad del pasado reciente y del actual momento, como un valor atemporal. Desde la perspectiva global e integradora, el museo está llamado a desempeñar un papel geopolítico trascendente, invitando al entendimiento y donde el arte pueda convertirse en un lenguaje universal y en símbolo de una deseada paz.

La percepción que se tiene actualmente sobre ella ha dado un vuelco y para darle el rol que le corresponde en el arte femenino del siglo XX, el Museo Picasso de París dedicó en 2004 un espacio  permanente a su obra, no como mujer o musa, sino como la creadora que supo conquistar un lugar por ella misma. En parecido sentido, los museos MOMA y Metropolitan de Nueva York, sacaron de sus depósitos obras de Gilot y las incluyeron en exhibiciones y proyectos contemporáneos; con similar intención, diferentes instituciones artísticas incluidas galerías internacionales, rescataron su figura actualizando su mensaje.

Cabe recordar que entre los años 1943 y 1953  Gilot y Picasso protagonizaron una compleja historia finalizada abruptamente. Ella fue la única de sus mujeres que no solo se enfrentó a él y lo dejó, sino que logró encauzar en solitario su proyecto de vida y con éxito. Cuando conoció a Picasso, ya contaba  con una incipiente trayectoria artística y en su familia materna había antecedentes en este sentido. En su primera juventud, formó parte de la École de París, y en la postguerra europea vivió la ocupación alemana, sintonizando con  las posiciones del Nuevo Realismo. Se relacionó con los artistas Nicolas de Stäel y Sonia Delaunay, e incluso antes del encuentro con  Picasso, ya contaba con sus propios planes al haber abandonado los estudios de Derecho con el fin de  aventurarse en el terreno de la pintura. Admiraba profundamente a  Matisse al que conoció en su  taller de Vance, introducida por Picasso y durante los escasos diez años de convivencia, Françoise Gilot compatibilizó la pintura, con la vida familiar. En 1949  firmó un contrato con el marchante Daniel- Henry  Kanhweiler y sobre la  base del conocimiento de Grecia y su cultura acometió una serie de obras partiendo de las leyendas del Minotauro recreando la idea del laberinto. Más tarde, aligerando la abstracción, incluyó alusiones figurativas al paisaje heleno y a los restos arqueológicos.

En 1964, atravesó una línea peligrosa y decidió narrar con todo lujo de detalles su turbulenta convivencia con el artista; las explosivas confesiones publicadas en el libro “ Vida con Picasso”, en colaboración con el crítico Carlton Lake, dinamitaron por completo la relación.

Pasados los años y mientras ahora los museos de Picasso celebran con objetividad su existencia y trayectoria, el tiempo ha dado la razón a la artista sobreviviente. Su resiliencia y fortaleza demuestran, al fin,  que para ser dueña de la propia historia, en ocasiones, hay que tener el valor de cerrar una puerta y abrir otra que permita el camino hacia un nuevo horizonte.

Barreiro hace visible su emoción en estas obras cuidadosamente dedicadas a la ciudad y las convierte en una especie de archivo sentimental, en un refugio que actúa contra el olvido. El acento simbólico se puede percibir en la presencia del mar de Vigo, en el puerto, en el recuerdo a viejos amigos pintores y poetas, también a anónimos personajes callejeros. Mas que espacio físico, la urbe se convierte en espejo de su experiencia afectiva, en el núcleo vertebrador que fija parte de su vida en el permanente taller situado en pleno centro de la capital y donde sigue elaborando su proyecto pictórico, a día de hoy.

Apoyado en sus comienzos por tres grandes artistas históricos de Galicia: Manuel Torres,  Xosé Otero Abeledo “Laxeiro”, y Urbano  Lugrís, Barreiro se forma en Madrid en los años finales de la década de los cincuenta y posteriormente en París en contacto con la obra de Picasso y Matisse. Sumergido en el ambiente bohemio de Montmartre aprende a captar la fugacidad el instante, a darle forma y color. En Buenos Aires, vivió una larga etapa comprendida entre los años 1969 y 1973, invitado por Laxeiro y se integró con facilidad en la vida cultural porteña. Conoció a Luis Seoane, a Rómulo Macció, a Ernesto Deira y realizó murales decorativos para los escaparates de los grandes almacenes Harrods; visitó los países limítrofes: Chile, Brasil y Uruguay nutriéndose del color del paisaje de los Andes, de las inconmensurables vistas de las costas del Atlántico y del Pacífico. En su estudio del barrio de La Boca, en el pequeño “conventillo”, en cercanía con el pintor Quinquela Martín consolidó su vocación por la pintura convencido de su eterna supervivencia. Desde entonces, el color se sobrepone a cualquier otra consideración; los azules, rojos, verdes, amarillos, de extrema pureza, se convierten en los principales artífices de cada escena conviviendo en armonía con fuertes pinceladas negras que dibujan vigorosas figuras imaginadas y los objetos de su cercanía pasan a formar parte de su catálogo de recuerdos, de vivencias dichosas, capaces de motivar un presente que el pintor siente con optimismo.

La colección ideada como un proyecto cultural de Estado no habría sido posible sin la tutela de Farah Diba poseedora de una brillante formación en el campo de las artes. Había estudiado en París, en la École Speciale d´Architecture, y por ello su percepción sería determinante al defender que la modernización de Irán debía incluir una apuesta decidida por la cultura visual contemporánea.

En pleno apogeo de la actividad petrolera se adquirieron obras de artistas de enorme trascendencia global a significativas galerías y grandes marchantes. Era un momento oportuno pues todavía los precios no habían alcanzado las cifras astronómicas de hoy y muchas de esas obras no gozaban del actual estatus. Una de las grandes virtudes de la colección será la sintonía con las corrientes internacionales lograda mediante una configuración que emana directamente del círculo de influencia más poderoso del siglo XX. Su impulsora contó con el criterio de figuras legendarias que definieron la estética de nuestro tiempo: de la visión disruptiva de Andy Warhol y el instinto de Tony Shafrazi hasta el rigor estratégico de Leo Castelli e Ileana Sonnabend.

El núcleo central de la colección lo conforman nombres clave en la historia del arte moderno y contemporáneo entre ellos Degas, Gauguin, Picasso, Miró, Calder, Dalí, Balthus, Duchamp o Moore liderando una numerosa nómina que se expande hacia las décadas centrales del siglo XX. El recorrido integra figuras esenciales de los cincuenta, sesenta y setenta como Pollock, Warhol, Lichtenstein, Bacon, Lewitt, Judd, Chillida o Christo. Algunas de las piezas adquiridas no eran obras menores sino trabajos centrales de las trayectorias de sus autores. Destacan especialmente el “Mural and Indian Red Ground” de Pollock, una de las pinturas más importantes del expresionismo abstracto conservada fuera de los EE.UU, o “ Figures  Lying on a Bed with Attendants” de Francis Bacon. Pero la colección no se limitó a importar modernidad foránea,  pues contó con la presencia de artistas iraníes contemporáneos, especialmente aquellos que sin abandonar las raíces establecían un diálogo entre la tradición visual persa y las corrientes internacionales. Sohrab Sepehri o Bahman Mohasses se integraron en igualdad de condiciones en el proyecto así como el movimiento Saqqakhaneh que interpretaba desde lenguajes modernos, la caligrafía , los símbolos religiosos o el arte popular.

Para situarla en un contexto coherente con su espíritu, el arquitecto Kamran Diba, proyectó el edificio destinado al Museo de Arte Contemporáneo de Teheran e inaugurado en 1977. El diseño de amplios espacios interiores y exteriores capaces de acoger piezas de grandes formatos combinaba elementos de vanguardia y de la arquitectura tradicional que reforzaban la simbólica unión.

La Revolución Islámica alteró radicalmente el escenario y en los primeros momentos, uno de los retratos de Farah Diba realizado por Warhol, fue acuchillado. En adelante, las obras consideradas provocadoras como desnudos, temas relativos a la homosexualidad  o de iconografía incompatible con el régimen impuesto por los ayatolás fueron guardadas en las salas de reserva del museo y así han permanecido durante décadas. Sin embargo, en contraste con lo sucedido en otros ámbitos, la colección no fue destruida ni vendida masivamente, aunque hubo alguna excepción. Un factor a tener en cuenta y que pudo haber influido en su posterior y paulatina visibilidad fue la continuada demanda de algunas de esas piezas, por parte de instituciones museísticas internacionales, con el propósito de incorporarlas a exposiciones temporales. Y ese factor fue sin duda, un elemento silencioso de presión.

En los últimos años, el museo ha rescatado obras de sus fondos, algunas de las cuales fueron exhibidas en exposiciones recientes. No obstante, gran parte de ellas permanecen aún en el silencio y la invisibilidad. Son el testimonio evidente de un tiempo en el que Irán imaginó su lugar en el mundo a través del arte moderno y de vanguardia.

En el progreso de su carrera fue determinante el apoyo de su tío José de Gálvez y Gallardo (1720-1787) jurista y político, nombrado Visitador General de Nueva España (1765) por el rey Carlos III y años después, Ministro de Indias. A raíz de las reformas impulsadas por la Corona Española en las Provincias Internas del Norte, Bernardo de Gálvez a petición de su tío se traslada a la frontera septentrional de la zona. Desde bases como Chihuahua lidera con éxito expediciones defensivas frente a los ataques de los apaches. En 1776 asciende a coronel y en 1777 toma posesión como gobernador de Luisiana cargo que le permite organizar un ejército complejo y multirracial, alcanzando consecutivas victorias: Baton Rouge (1779), Mobile (1780) y Pensacola (1781), que motivaron la huida de los británicos de los territorios de la Florida Occidental. Los logros aseguraron el control español sobre el Golfo de México impidiendo ataques británicos desde el sur. Asimismo, en el último tramo de la contienda, fue primordial el apoyo financiero de España. Las remesas de plata procedentes de La Habana permitieron sostener al ejército y financiar la campaña de Yorktown (1781) que supuso el final de la guerra al producirse la rendición de las tropas británicas. En 1783 y por medio del Tratado de París se firma el acuerdo definitivo que reconoce la independencia estadounidense.

La  contribución de Bernardo de Gálvez a la causa americana fue decisiva y reconocida por los Padres Fundadores, especialmente por el presidente George Washington. En 1783, el Congreso de EE.UU acordó incluir su retrato en la galería del Capitolio, aunque el cuadro original no se colgó en aquel momento. Tendrían que pasar mas de dos siglos hasta que en 2014, la Cámara de Representantes y el Senado decidieran otorgarle el título de Ciudadano Honorario, aunque el tributo a su memoria viene de lejos. El respeto a su figura se recoge en la historiografía estadounidense y ejemplo de la pervivencia de sus gestas son los nombres de las localidades de Galveston (Texas) y Gálvez (Luisiana). En 1976, coincidiendo con el Bicentenario de la Independencia, se instaló en el Bernardo de Gálvez Memorial Park, en Virginia Ave., Washington D.C. la estatua ecuestre que le recuerda, obra del escultor español Juan de Ávalos e inaugurada por el rey Juan Carlos I.

Recientemente, el Ministerio de Cultura adquirió un retrato original de Bernardo de Gálvez atribuido a Mariano Salvador Maella (1739-1819), pintor de cámara de Carlos III.

Quessada mantenía una estrecha relación con el entorno de la revista Vieiros editada en México por el Patronato de Cultura Galega. Enviaba dibujos para ilustrar sus contenidos y mantenía contacto con los promotores de la publicación: Luis Soto y el cineasta Carlos Velo y aceptó la invitación que le cursaron para visitar el país y llevar a cabo una exposición en el museo. La propuesta se extendía a José Luis de Dios y Acisclo Manzano quien no los acompañará en la aventura. Tras preparar cuidadosamente el viaje con la perspectiva de una estancia larga, embarcan en el puerto de Vigo con destino a la ciudad de Veracruz acompañados de más de 200 obras de los tres artistas.

La llegada se produce en el verano y reciben por parte de sus anfitriones  una afectuosa bienvenida que incluye presentaciones y conexiones con el mundo de la cultura y el exilio; conocen a Luis Buñuel y a Juan Rulfo; frecuentan la compañía de David Alfaro Siqueiros y de José Luis Cuevas y entran en contacto con el compositor y director de orquesta judío de origen ucraniano Lan Adomián al que le habían unido estrechos lazos con intelectuales españoles, especialmente con Margarita Nelken y con Miguel Hernández; de hecho, había creado la música para el texto del poeta Las puertas de Madrid.

La exposición extensa en cuanto al número de obras ocupó una buena parte de los espacios temporales del Museo de Arte Moderno y facilitó a los tres creadores gallegos el contacto directo con un público acostumbrado a la potencia del muralismo y a la pintura socialmente comprometida. Las creaciones de Quessada destacaron entonces por su expresividad, intensidad cromática y capacidad de fusionar tradición gallega con sensibilidad moderna, conectando con un México que valoraba la fuerza emocional y narrativa del arte. Los tres artistas ofrecían una imagen de vanguardia, condición que fue destacada en las críticas publicadas en la prensa de la capital mexicana, en los diarios Excelsior, El Sol y Siempre.

Aludían los escritos al carácter social y novedoso de las obras, también a la particularidad estética y la posición de los artistas en el contexto del arte español, todo ello unido al posicionamiento político y a la relación estrecha y sentimental con su tierra natal: Galicia. Durante ese tiempo Quessada se integró activamente en en el circuito cultural capitalino; estableció contacto con la Galería Berta Cuevas y Jordi Gironella, quienes valoraron  la singularidad de su propuesta y facilitaron su inserción en el ámbito artístico. Gracias a esas relaciones, el pintor pudo exhibir una selección de sus obras en la Galería Misrachi y la crítica especializada respondió con entusiasmo. Alaide Foppa, la poeta, activista y feminista guatemalteca afincada en México, destacó la hondura de sus composiciones y su capacidad de transmitir sensibilidad y tensión humanas. Y la historiadora del arte, Raquel Tibol, referente de la vanguardia hispanoamericana elogió la coherencia y la fuerza expresiva de su obra. A este reconocimiento se sumó la mirada literaria de Alí Chumacero, poeta y editor, esposo de la galerista Lourdes Chumacero, quien prologó el catálogo de la exposición del Museo de Arte Moderno, considerando su presencia en los principales circuitos culturales del país. Y Quessada demostró su habitual generosidad y compromiso social y antes de dar por finalizados los seis meses de estancia en México, dejó varias obras en manos de los Gironella, de otros coleccionistas, y de exiliados españoles, con el fin de que pudieran ser utilizadas con fines de apoyo y filantropía. Este gesto reflejaba su preocupación por los demás, su convicción de que el arte podría servir como instrumento de solidaridad y ayuda, más allá de su valor estético. Finalizada la apasionante experiencia, el pintor continuará su viaje artístico en Nueva Orleans, Washington, Atlanta y Nueva York. Permanecerá tres meses en Manhattan junto a José Luis de Dios, Chus Blanco y Perla Casal quienes compartieron todas las vicisitudes del viaje. Y aprovechó la estancia para visitar el MOMA y cumplir su deseo de contemplar el Guernica de Picasso, examinando detenidamente sus bocetos y dibujos preparatorios.

Santiago de Compostela fue el núcleo central de su actividad. Si bien es cierto que en sus primeros años tuvo la oportunidad de viajar por España, a partir de 1918 decidió establecerse definitivamente en la ciudad. Durante más de cuatro décadas este privilegiado entorno se convirtió en una fuente inagotable de inspiración y en una suerte de inmenso taller donde posar la mirada y realizar la mayor parte de sus obras de madurez. Los motivos de esa adopción se fundamentan en una serie de circunstancias como serían la obtención de la plaza de escultor anatómico de la Facultad de Medicina y su matrimonio en 1919 con la santiaguesa Jesusa Ferreiro. Constituye una etapa crucial después de haberse informado adecuadamente sobre la escultura de vanguardia que se estaba produciendo en Europa y el medio ideal para desarrollar su obra alentada en todo momento por la presencia del granito.

Una de las obras de mayor visibilidad en la ciudad es el Monumento a San Francisco, una grandiosa construcción en piedra, de catorce metros de alto y cuatro de ancho, situada frente al Monasterio de San Francisco. Esta obra en su momento innovadora y a la vez respetuosa con la grandeza histórica del entorno, anticipa, desde su inauguración en 1930, la proximidad de la Plaza del Obradoiro y el Pórtico de la Gloria. Asimismo otras creaciones del autor se integraron en diferentes edificios de la urbe—como los conventos da Ensinanza e das Orfas y Hotel Compostela—, y junto a los lugares de trabajo, vida familiar y social conforman un itinerario completo que refleja la equilibrada unión entre el artista y la ciudad.

Anteriormente, en Madrid, Asorey había recibido importantes encargos, entre ellos el busto de Antonio Maura. Y desde Compostela continuó gestionando su carrera sin mayores inconvenientes lo que le permitió realizar obras de gran envergadura destinadas a instituciones de Buenos Aires, Montevideo y otras ciudades de la península. En los años siguientes participó en diversos certámenes y convocatorias manteniendo en alto su prestigio y en su taller dio forma  a algunas de sus más destacadas creaciones de carácter público. Entre ellas el Monumento a Curros Enriquez (1934), que se erige con solemnidad en los Jardines de Méndez Núñez de A Coruña. Otra obra memorable es la Estatua de Colón  del Monumento a Cuba  (1930), obra realizada junto con Mariano Benlliure, Juan Cristóbal y Miguel Blay, ubicada en el Parque del Retiro de Madrid, testimonio perdurable de la colaboración artística de la época.

Asorey aplica policromía a sus esculturas en piedra, mientras que en las obras de madera el color adquiere relieve y carácter por sí mismo. Esta riqueza tonal es rasgo distintivo que se manifiesta ampliamente en obras en como Picariña (1920), Ofrenda a San Ramón (1923) y Santa (1926). Y alcanza un sobresaliente nivel en “O tesouro” (1924), una de las obras señeras de la escultura contemporánea gallega, presentada en la Exposición Nacional de Bellas Artes (1924) donde obtuvo una segunda medalla.

El público y la crítica consideraron insuficiente el galardón y el descontento dio paso a una abierta polémica: como desagravio se le rindieron sendos homenajes en Madrid y Galicia. La obra fue adquirida por la familia Luca de Tena doblando su valor, y permaneció en los fondos de las colecciones del diario ABC hasta hace escasos años, cuando, por medio de las gestiones de la galería compostelana José Lorenzo pasó a engrosar los fondos de una gran colección particular de Galicia regresando la escultura, después de tanto tiempo, a la tierra que la inspiró. Se trata de una de las piezas capitales de la exposición, donde confluyen algunas de las constantes esenciales del universo creativo de Asorey: el profundo sentimiento humano que impregna sus obras, el diálogo entre la tradición académica y una sensibilidad europea contemporánea, así como la estrecha conexión con el contexto cultural gallego.

Vázquez Cereijo sabía de la existencia de Maruja por las referencias que le había dado su padre, antiguo alumno de la Residencia de Estudiantes y el encuentro entre ellos  se produce, según sus palabras, en la galería Ponce de Madrid. Enseguida congenian y comienzan una amistad enriquecedora y llena de afectos; se comunican, asisten al cine, frecuentan teatros y exposiciones; él la acompaña en algunas de sus gestiones cotidianas como las visitas al banco cada quince días; comparten largas charlas que ella monopoliza con su vivaz e ingeniosa forma de transmitir su azarosa vida, especialmente la transcurrida entre los años veinte y treinta, y con menos alusiones a la etapa americana. 

Excelente grabador, Vázquez Cereijo le propone la idea de realizar un proyecto que evocase aquel espíritu de vanguardia y la labor pionera de Maruja como ilustradora. De inmediato comienzan con la preparación de unas planchas de acero con las que realizarían tres aguafuertes. Estampan las primeras pruebas pero no están satisfechos con los resultados: hechas en colores planos—negro, marrón y gris—, las composiciones resultantes no evocaban aquellas creaciones que Maruja había realizado entre los años 1933 y 1936 desarrolladas principalmente a partir de una serie de dibujos alusivos a los siguientes frutos: manzana, pera, sandía, trigo, almendra y naranja. Finalmente, él le sugiere que elabore unas maquetas con lápiz litográfico para retomar el proyecto. Tales motivos habían sido utilizados por la pintora en uno de los tres calendarios de su autoría publicados entre 1931 y 1936. El primero de ellos estaba dedicado a las frutas del mes; el segundo, a los juegos en cada estación del año; y el tercero, a las labores agrícolas correspondientes a cada una de ellas.

Después de cuatro décadas, el tema de las frutas, el trigo, y la almendra renacerá en las seis litografías que compondrán la Carpeta-Homenaje. Las nuevas imágenes son prácticamente idénticas a las portadas de aquellos años que recogían el mismo motivo y la pintora no tuvo inconveniente en repetirse; la reiteración pone de manifiesto el deseo de afirmar y mantener viva una iconografía a través del tiempo.

Las litografías se realizan en el Taller Prova de Madrid, a cargo del pintor Alejandro Gómez Marco, y estarán acompañadas de una selección de pequeños textos de escritores, poetas y viejos compañeros de generación y con la introducción de una gran imagen a modo de collage en la que se representan momentos álgidos de la vida y obra de la autora. El proceso de elaboración fue largo y se desarrolló entre los años 1978 y 1979. Vázquez Cereijo recordaba las jornadas de trabajo y chocolate, en su estudio y de las aportaciones de artistas y amigos de ambos que pasaron por su taller: José Bergamín, Gregorio Prieto, Soledad Ortega, Tierno Galván, Julián Gallego y Jaime Vigo.

La carpeta Homenaje a la Revista de Occidente se publicó en 1979 y supuso un  proyecto hecho realidad de indudable interés para ambos y a través del cual Mallo pudo rememorar su gloriosa etapa previa al exilio. Pero también significó su ferviente intención de estar presente en el mundo del arte español de aquellos años, de mantenerse, como siempre, activa, jovial y luminosa, fiel a su espíritu inconformista y visionario.

Para llevar a cabo el sueño, y con la premonición de que se produciría un cambio sustancial en la ciudad que pasaría a estar poblada por una elevada cantidad de esculturas vivientes: los nuevos robles, el artista, ayudado por sus colaboradores y algunos voluntarios comenzó su visionaria aventura con la colocación de 7000 bloques de basalto que fueron ubicados frente al Museo Fridericianum; el contraste se haría evidente y el diálogo entre materias estaba servido. Luego, Beuys iría señalando con cada bloque los lugares de la ciudad en donde se plantarían paulatinamente los 7000 árboles y acuñó la obra como “gran escultura social” convencido de que esa creciente plantación transformaría positivamente los espacios y los volvería mas humanos y habitables. De los robles extrajo su simbología asociada en las culturas europeas, a la fuerza, a la resistencia ante la adversidad, a la longevidad; de honda conexión con la naturaleza, y verdaderas esculturas de crecimiento lento propiciarían un metafórico bosque y construirían una nueva estructura potente y duradera.

Las imágenes que han quedado de la plantación del primer roble en 1982 testifican el inicio de la obra cuyo proceso fue atrayendo a los ciudadanos contagiados del poderoso mensaje y haciéndose cómplices del propósito que hacía visible la relación entre lo que es natural y lo que es artificial; el contraste entre la inanimada presencia de las piedras y la vida creciente de cada roble que se asentaba con seguridad y estabilidad en el espacio elegido fueron la mejor muestra de la visionaria propuesta. En los años siguientes, la consolidación del proyecto propició cambios en la fisonomía de la ciudad situada en el corazón de Alemania y que había sufrido las consecuencias devastadoras de la guerra; en su reconstrucción, la creación de Documenta en la década de los años cincuenta fue clave en la nueva definición de la pequeña urbe que resurgiría de sus cenizas y pasaría a convertirse en verdadero centro neurálgico de exposición y reflexión del arte contemporáneo internacional, y por ende de resiliencia. Obras que aluden a su historia, y al espíritu de supervivencia y regeneración han quedado vinculadas a sus espacios públicos, entre ellas “ Kilómetro de Tierra Vertical, de Walter de María, instalada en Friedrichsplatz ( Documenta 6, 1977) o “ Pico de metal”, de Claes Oldenburg, en las orillas del rio Fulda ( Documenta, 7, 1982).

Con el paso del tiempo, el proyecto de Beuys favoreció la llegada de nuevas interpretaciones en otros lugares del planeta y una de las últimas intervenciones en esa línea fue la llevada a cabo por los artistas británicos Ackroyd & Harvey quienes se encargaron de reinterpretar el mensaje. En 2007 se trasladaron a Kassel, recogieron bellotas, fruto simbólico de los robles originales y los 100 arboles germinados fueron instalados a modo de un eventual bosque, entre los meses de mayo a noviembre de 2021 en la South Terrace de la Tate Modern de Londres. Con el título de “ Beuys´Acorns”, se celebraba el centenario de su nacimiento y a la vez se sacralizaba en los espacios externos del museo, una obra viva, pública y colectiva de tan alto significado y trascendencia.   

Ahora, de un modo excepcional, las galerías se han convertido en un sorprendente escaparate de exhibición de arte, a pie de calle, con la presencia de los trabajos de 40 artistas, entre los que se encuentran José María Barreiro, Billy King, Francisco Pazos, Tino Canicoba, Lillya Pobornikova, Mercedes Lence y Colin Baldwin; el total entre pinturas, esculturas y fotografías alcanza el centenar. El conjunto adaptado a las condiciones de cada recinto acoge a los visitantes, y les invita a disfrutar de conciertos y talleres que tienen lugar en los diferentes puntos de las galerías, en la cercanía del antiguo café central. Asimismo, idea del coleccionista y galerista Beny Fernández, el laureado ex-piloto de rally cuyos éxitos alcanzados en las décadas setenta y ochenta le sitúan como uno de los pilotos de mayor reconocimiento en España, tiene sus raíces en la propia trayectoria. Vinculado a la marca Porsche gestionó en Vigo, uno de los concesionarios mas activos de la Península Ibérica, en cuyas sedes alternaba piezas de su colección iniciada en la juventud, con espectaculares automóviles en un contexto inesperado para el publico, alejadas esas obras de la solemnidad de los espacios museísticos. Era por tanto, natural que uno de sus últimos proyectos, ” Espacio Beny”, inaugurado hace tres años y dedicado a la exhibición y divulgación del arte mantuviese su esencia y las alusiones a la personalidad y gustos de su promotor. En la galería conviven los recuerdos, objetos relacionados con el mundo del motor, como pequeños coches replica de modelos Porsche y otros símbolos de esa actividad; el espacio creado se enfoca en estrechar la convivencia con el público, con el propósito de ofrecerle nuevos alicientes y experiencias como pueden ser la música o la gastronomía. En lo concerniente a los artistas, la apuesta se centra en las figuras emergentes y de otras generaciones y nacionalidades y en la actualidad supone un referente capaz de aportar dinamismo a la vida artística de la capital con acciones como la que nos ocupa: Art Vigo. En esta ocasión, en las Galerías Durán, Beny Fernández ha incluido, ademas de los artistas que forman parte de sus últimas programaciones, una selección de piezas de su colección integrada, entre otros nombres, por Manuel Millares, Antonio Saura, Luis Feito, César Galicia, Jorge Castillo, Laxeiro, Leopoldo Novoa, José María Barreiro, Dario Alvarez Basso, Rafael Alonso, Tino Grandío, Álvaro de la Vega, Silverio Rivas y Francisco Leiro. Y la singular puesta en escena supone un homenaje y a la vez una despedida a las históricas galerías que en un futuro próximo y con nuevos dueños, pasarán a tener diferentes usos alejados de los hasta ahora conocidos.

En el verano del 36 Maruja Mallo y Alberto Fernández acuden a la localidad pontevedresa de Bueu y se integran en el grupo de intelectuales que acostumbran a veranear en la villa marinera; entre ellos se encuentran el escritor venezolano Rómulo Gallegos y el dibujante e ilustrador Federico Ribas, amigo de los conserveros Massó para los que había hecho carteles publicitarios; en ese entorno, el fotógrafo Xosé Suárez prepara en aquellos días la documentación para el film “Mariñeiros”.

El comienzo de la guerra corta bruscamente la tranquilidad de aquellos días y ante los dramáticos sucesos, especialmente cruentos en la zona, se impone la necesidad de buscar refugio y de salir del país cuanto antes. Por medio de una carta de Maruja Mallo (6 de diciembre de 1936), dirigida a Raúl González Tuñón se desprende que por esas fechas ya había realizado gestiones para salir de España y esperaba ansiosamente el momento de partida, aunque habían surgido dificultades relacionadas con el embarque. En el texto da cuenta de la llegada de noticias de Buenos Aires y alude a la invitación cursada por la Asociación de Amigos del Arte, firmada por Elena Sansinena de Elizalde, con la propuesta de “urgente exposición”. El cablegrama de 29 de noviembre, será el principal reclamo para el viaje.

Maruja y Alberto desean marchar juntos; cruzan la frontera de Galicia a Portugal, con el objetivo de llegar a Lisboa, donde les esperaba y daría soporte, Gabriela Mistral, en aquellos meses cónsul de Chile en la capital. Los planes se truncan, y a pesar de que ella puede embarcar  rumbo a Buenos Aires, su compañero no podrá cumplir con el propósito; será detenido, encarcelado y condenado a muerte; conmutará la pena gracias a la intercesión de Felipe Fernández Armesto y de Carlos Gurméndez.

En los primeros años de estancia de la pintora en la capital argentina, la pareja mantuvo algún contacto como lo demuestra la carta que ella envía al diplomático y escritor Eduardo Dieste, fechada el 5 de julio de 1939. Por medio de esa misiva que revela el nuevo domicilio de Mallo en el edificio  2861 de la Avenida Santa Fé, se conocen algunos detalles acerca de la situación de Alberto Fernández “Mezquita”.

En esas líneas confiesa haber recibido una carta del propio Alberto por medio del Dr. Bastos y muestra su interés en ayudarle.

“Vd ya sabe que hasta ahora yo he hecho todo lo que he podido para que Alberto saliese de Galicia. Vd sabe que se interesaron diplomáticos residentes en Portugal y que le enviaron ochocientos pesos argentinos, en aquella fecha, 1937, pues en aquel momento funcionaban organizaciones que hoy están en otras actividades y parte de la Embajada de España, donde residía, ya no está en nuestro poder. Como hoy no puedo hacer nada absolutamente en lo que a él se refiere y por otra parte en esta carta le nombra a vd. le ruego que hagan lo que puedan desde Uruguay. Pues aquí, además de estar cerrada la inmigración, no me responsabilizo de la situación económica”.

En la parte final del texto, sugiere a Dieste que escriba al Dr. Bastos y al cónsul de Uruguay en Vigo, que entonces era José María Perelló, con el fin de buscar una solución. Asimismo le indica que contacte con Pablo Neruda, entonces cónsul de Chile en París, encargado de solventar las cuestiones de los refugiados. Le expresa que podrá comunicarse con Alberto Fernández dirigiéndose al Consulado de Uruguay. Perelló estaba desarrollando en aquellas fechas una importante labor humanitaria desde Vigo, facilitando documentación a los perseguidos para que pudiesen salir del país. 

Finalmente, Alberto Fernández se instalará en la década de los cuarenta en Venezuela protegido por Rómulo Gallegos del que fue Secretario de Prensa durante su etapa de Presidente de la República. En 1948, a raíz del golpe de estado que derroca a Gallegos se traslada a Cuba y a principios de los años sesenta a Belgrado con el objeto de desempeñar  labores semi-diplomáticas  en la Embajada de Venezuela, como él mismo define en las cartas que guardan sus familiares; contaba entonces con la plena confianza del embajador de Venezuela en Yugoslavia Simón Alberto Consalvi. No hay constancia de que Maruja Mallo y Alberto Fernández “Mezquita”, volvieran a encontrarse. Él estuvo en España, en dos ocasiones pero retornó a Caracas, en donde falleció en el año, 1968.

Sus comienzos se sitúan en una edad muy temprana; con tan solo ocho años debuta en el Festival Mozart de A Coruña, representando un papel infantil en la ópera Werther de J. Massenet. Esa primera y sorprendente incursión reveló unas innatas capacidades para la música que fueron sabiamente alentadas por sus padres y que harán que pueda estudiar piano y canto en el Conservatorio de Música de A Coruña. Desde entonces, se ha centrado en conseguir una honda educación dirigida a la conformación de una carrera que ha de ser cosmopolita y ajustada esa preparación a una férrea disciplina que deriva en el asombroso aprovechamiento del tiempo y en la riqueza de recursos educativos y su rápida asimilación. En el recorrido, ha contado con las enseñanzas de las sopranos Lisette Oropesa, Mariella Devia, Nadine Sierra o Deborah Polaski y en algunos de los conciertos y recitales dados, ha estado acompañada por el maestro de repertorio Manuel Burgueras, pianista acompañante de Monsterrat Caballé, entre los años 1911 y 2014.

Sin embargo, mas allá de ese adiestramiento, cuenta con otros intereses, siempre paralelos a las esferas artísticas, destacando entre ellos las artes escénicas en su aplicación a la ópera, entendidos desde una óptica renovadora y por ello se ha volcado en los estudios sobre esa materia. La escena teatral tal y como la conocemos hoy en día con sus variadas propuestas y evoluciones es el fruto de grandes cambios que tuvieron su origen allá por las lejanas décadas de los comienzos del siglo XX; en aquellos años, las innovadoras corrientes como el futurismo, el expresionismo o el surrealismo, con todo el caudal de propuestas rupturistas fueron las principales artífices de las transformaciones acaecidas. La escena teatral tradicional dio paso a nuevos espacios de mayor profundidad, donde se harán presentes elementos movibles plenos de colorido, figuras y materias inesperadas. Dinamismo y luz, componentes oníricos o la convivencia de la música clásica con la experimental, aportarían una energía insospechada a los nuevos escenarios junto al establecimiento de códigos estéticos, todavía resistentes en la actualidad.

Y todo ese caudal de riqueza a tener en cuenta es influyente en la soprano y la acompaña a la hora de construir su carrera y de definir su identidad. En el escaso tiempo que abarca su fulgurante trayectoria ha salido al exterior y ha interpretado destacados roles en España e Italia. Personificó a “Susanna” en Le Nozze di Figaro, de W. Mozart; representó a “Clorinda” en La Cenerentola de G. Rossini, y a “Musetta”, en La Bohème, de G. Puccini. Trabajó con los directores Graham Vick, Ton Koopman. José Miguel Pérez-Sierra y Giuseppe Finzi, y obtuvo importantes galardones en concursos internacionales, entre ellos, Clara Schumann Competition, Mirna Lacambra, Compostela Lírica o Concorso Spazio Música.

En el momento actual continúa inmersa en sus proyectos, planeando nuevos conciertos para el Teatro Real de Madrid, participando en el programa In Crescendo e involucrada en la preparación de nuevas y próximas actuaciones; una de ellas, tendrá lugar en el Teatro Mancinelli, en la ciudad italiana de Orvieto, donde dará nueva vida a la joven “Nannetta”, el personaje verdiano de Falstaff.

Con el objetivo de fomentar el talento y el desarrollo personal mediante el arte, el programa ofrece diez talleres monográficos que abarcan desde la pintura abstracta y el collage fotográfico hasta técnicas de encuadernación y creación de libros de artista. Las inscripciones ya están abiertas online a través de la página oficial de la Fundación de Cultura (www.fundacionculturalasrozas.org) y del sitio web municipal.

Talleres de arte, diseño y narrativa visual

Los cursos, que oscilan entre 8 y 20 horas de formación, están diseñados como experiencias prácticas e intensivas con plazas limitadas para garantizar una atención personalizada. Todos los talleres están impartidos por docentes de reconocido prestigio y cuentan con materiales de calidad para que los participantes puedan desarrollar al máximo su creatividad.

Entre los primeros talleres se encuentra “La perspectiva del color” (23-27 de junio), que explora el uso de temperatura, saturación y transparencia para crear profundidad visual en la pintura. Otro de los cursos destacados es “El proceso creativo de una obra abstracta geométrica”, que se celebrará del 1 al 4 de julio en Las Matas.

Además, se impartirán propuestas como “Introducción al fotolibro y la narrativa visual” (7-11 de julio) y “Collage fotográfico geométrico” (14-18 de julio), ambos orientados a la creación artística a partir de imágenes propias y técnicas de composición visual.

Encuadernación, chine-collé y libros de artista

El programa también incluye tres talleres impartidos por el artista Carlos López Villamayor, que abarcan desde el grabado textil (“Entre hilos”, del 30 de junio al 4 de julio) hasta el uso del chine-collé (“Capa sobre capa”) y el diseño de libros de artista con estructuras tridimensionales como acordeones y ensamblajes (“El libro de artista: de la gráfica a la construcción narrativa”).

Por su parte, Diego Fernández Pérez impartirá tres cursos centrados en la encuadernación: “La estampación, títulos y decoración”, del 30 de junio al 4 de julio; “Cajas para conservación”, del 7 al 11 de julio; y “Álbumes para fotografías y más”, del 14 al 18 de julio. Estos talleres abordarán desde técnicas de dorado y gofrado hasta la construcción de cajas y álbumes tradicionales con costura en telar.

Información e inscripciones

Los precios de los cursos varían entre los 48 y los 120 euros, según la duración y la especialidad, y todos ellos se celebrarán en horario de mañana, facilitando así la participación de personas de distintas edades.

Para más información o para realizar la inscripción, los interesados pueden acceder directamente a la web oficial:  www.fundacionculturalasrozas.org

Comienza la construcción de su obra desde el conocimiento académico que incluye el interés por Goya, Rembrandt y Goethe y el acercamiento a postulados de vanguardia, entre ellos el  Informalismo europeo y el Expresionismo abstracto, que encarnaban artistas de su preferencia como eran Pollock, De Kooning o Kline. La asimilación propiciará unos principios estéticos que ya anuncian una personalidad definida favoreciendo la adopción de nuevos usos y argumentos en cuanto al manejo de los códigos de la pintura. 

El plano como concepto preliminar, la coexistencia de una abstracción que se contrapone a componentes figurativos y la significación del dibujo, testimonio que da fe del punto inicial de la idea y su recorrido, son cuestiones que ya están presentes en los proyectos tempranos. Tales planteamientos dan lugar a series que reflejan sus inquietudes así como el proceso de trabajo; el diálogo con otros aspectos compositivos es constante y está presente en algunas creaciones de los setenta: “ El pacto de Yalta” (1977),  “Cercos-as”, expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza (1979) o “Crónica desde Rembrandt” (1978-1979) en la Galería Adriá de Barcelona (1979).

En los años ochenta Quintana Martelo traslada su residencia a Galicia y participa de la ilusión de unos tiempos históricos que coinciden con grandes transformaciones en el país; su obra se muestra más aérea y menos compleja aunque manteniendo sus inequívocas señales: la construcción inicial de líneas geométricas sobre el plano vacío y el asentamiento de objetos y figuras potenciados por la luz como elemento de peso. 

Se interesa por los problemas que afectan al ser humano e incorpora esas preocupaciones a sus búsquedas. A principios de los años noventa pasa largas temporadas en Nueva York y la ciudad le ofrecerá renovadas propuestas que se irán acoplando a su modo de ver, mientras la dualidad figuración- abstracción se vuelve más poderosa fomentando la tensión visual entre lo reconocible y lo sugerido. Una de las series que mejor expresa ese contraste es “ From Schlinder´s list” (1994), inspirada en el drama del holocausto y en el film de Spielberg; el artista pone de nuevo, a disposición en cada creación los recursos estilísticos, intensificando el mensaje con la capacidad de la pintura; objetos y formas acaban adquiriendo un valor simbólico.

La plenitud se revela en esa etapa americana; es una revolución silenciosa que agita los principios y la transformación viene del interior; el encuentro con la urbe incluye la consideración hacia otros aspectos, en apariencia menos significativos, relacionados con rincones callejeros. Las papeleras del Soho son inspiradoras, se presentan ante el artista plenas de sugerencias y motivarán la incorporación, en las nuevas composiciones, de objetos insospechados; serán unas veraces e inquietantes naturalezas muertas que evocan el género pictórico de huella europea que manifiesta la belleza de lo inanimado. En las creaciones resultantes, el autor extrema los planteamientos y a veces sitúa la acción repartida en dos bandos de color que acogen realidades contrapuestas. Lo inservible, los restos desechados condenados a un final pero en los que todavía queda un rayo de esperanza; la alusión a la belleza de la vida simbolizada en rosas, calas o ramilletes de limones que en su sentido metafórico aluden a la promesa; fardos de periódicos, alegorías ensalzadas por el fuerte poder visual de la letra impresa conviven con otros objetos que son testimonio de la vida en el taller; también la presencia de la luz y la corporeidad del color sugieren una posible regeneración. 

Y esa fuerte corriente de pensamiento ha derivado en nuevos proyectos que se han concretado a partir de 2012, en forma de series que aluden a la idea de reciclaje; se trata de obras planteadas a una mayor escala en las que el sentido tridimensional se apodera del gran plano y arroja nuevos elementos quizás más dramáticos, fruto de la observación, del impacto causado por la presencia de los grandes contenedores que forman parte del paisaje de las ciudades que el artista visita; conlleva el proceso habitual de historiar los momentos por medio de bocetos, dibujos preparatorios y acuarelas; los enormes recipientes en los que se acumulan escombros y residuos a la espera de una inevitable destrucción y renacimiento, son inesperados modelos de recreación. Algunas de esas obras se refieren a determinadas calles de Madrid: Velázquez, Limón o Lope de Vega y constituyeron el hilo argumental de la exposición “ Containers, 2012-2021”, exhibida en el MARCO de Vigo y, a continuación, en la Sala Rekalde de Bilbao, entre 2021 y 2022.     

Entre tanto, el tiempo va transcurriendo y Quintana Martelo prosigue su trayecto e incluye en su hacer la escultura, ejerciendo desde hace más de una década como Presidente de la Real Academia Gallega de Bellas Artes. Y si consideramos la simbología del viaje en cuanto a la búsqueda esencial a través de la creatividad son reveladoras sus palabras: “ descubrir el camino y pintar sobre el camino”.

Otra referencia que asocia la moda con los museos la encontramos en la anual MET GALA que tiene lugar cada año a principios de mayo; inspirada en un original  leitmotiv, esta vez, celebra la sastrería, la moda afroamericana y el dandismo. Sin embargo, más allá del impacto mediático del desfile que protagonizan personalidades del mundo del espectáculo luciendo imaginativas creaciones, prevalece algo fundamental en esta iniciativa, que no es reciente y se remonta al año 1946. Se trata de un noble propósito: la obtención de recursos para la financiación del Instituto del Traje (Costume Institute ), que se incluye en los departamentos del Metropolitan Museum de Nueva York. Las elevadas sumas que se consiguen por medio del evento costean el programa de exposiciones, adquisiciones y otras mejoras.

Tampoco debemos olvidar las trayectorias en este campo de otros museos europeos entre ellos el Victoria and Albert Museum de Londres, con sus colecciones de textiles y trajes que albergan piezas de moda y complementos, o de orfebrería, de los pasados siglos y que incluyen tejidos coptos e ingleses, tapices y bordados; la institución exhibe hasta noviembre una grandiosa exposición que reúne las piezas más celebradas del legado Cartier. Y en esa sintonía entre arte y moda, el Museo Cristobal Balenciaga de Guetaria,  está ofreciendo en estos meses una necesaria reflexión sobre su autor que se vuelca en la exposición: “Cristobal Balenciaga: Técnica, materia y forma”; en ella se desvelan los aspectos más profundos de sus legendarias creaciones presentes en las colecciones del museo.

La conexión de la moda con el arte viene de lejos; las civilizaciones mesopotámica, egipcia y cretense, ofrecen a la luz de sus frisos esculturas, pinturas y cerámicas evidentes ejemplos de esas relaciones. Las figuras humanas que en ellas se representan  indican una determinada forma de entender la indumentaria, la ornamentación, porque el sentido estético de cada etapa histórica se refleja en la moda que se nutre de la cultura. Si bien, la vestimenta es una necesidad fundamental, el objeto con el que cubrirse, para protegerse de las inclemencias del tiempo o el exponente de una determinada clase social, no deja de estar ligada al deseo de conseguir una mejor apariencia, siendo a la par, la manifestación de cada  individualidad.

En su más alta expresión, la moda tiene la capacidad de percibir las corrientes artísticas de cada tiempo de adaptarlas a las formas de vida. Como fenómeno social se instaura en Europa a raíz del esplendor de la corte de Versailles.En adelante y con la vertiginosa  sucesión de movimientos artísticos y sociales que se producen en las primeras  décadas del siglo XX, se producirá un mayor acercamiento entre moda y arte. Ahí está el ejemplo de Paul Poiret (1879-1944) que pondrá sus creaciones al servicio de una nueva mujer, que busca la libertad y otras formas de vida; la invención de una indumentaria que la libera de opresiones y corsés, plena de sentido creativo se impone; los diseños de este pionero couturier era amplios y vistosos, inspirados por la estética de los ballets rusos de Diaghilev y el orientalismo y en definitiva, el conocimiento del arte de su tiempo contribuyó a al drástico cambio. En parecida senda, los tejidos de contrastes simultáneos de Sonia Delaunay (1885-1979), aplicados al diseño de vestidos y decoración de interiores, muestran la mentalidad de vanguardia de la pintora; e igualmente, la estética excesiva del surrealismo que recoge la diseñadora Elsa Schiaparelli (1890-1973) o el mundo del cine y sus mitos, se instalarán en aquellas mentes creadoras.Y así, sucesivamente, la relación arte-moda recorrerá un apasionante camino paralelo en las siguientes décadas, sin detenerse.

En 1961 viaja a los Países Bajos y completa estudios de pintura y grabado en la Hoger Akademy St. Joost de Breda; colabora en el taller del artista Willem Van Leusden en Maarsen y el pintor Flip van der Burgt le invita a trabajar en su estudio de Ámsterdam y a integrarse en el Grupo de Artistas Grabadores ZEBRA; con ellos expone en espacios institucionales y privados centroeuropeos y en la galería Graphil de Amsterdam (1964-1968), núcleo principal de las emergentes poéticas de la nueva vanguardia. A raíz de tan interesantes sucesos su obra integra nuevos acentos que toman carta de naturaleza en dibujos, pinturas y en las series de grabados, que aluden principalmente en su temática a paisajes urbanos y rincones ciudadanos. En 1965 obtiene el Gran Premio Roma (1965) que traerá consigo el traslado del artista a la capital italiana; en el edificio de la Academia de España, en San Pietro in Montorio, en una de sus torres podrá disfrutar de un espectacular taller abierto a las vistas de la ciudad que le ofrecerán renovada energía para seguir creando; en esos años, ahonda en la realización mural y de los resultados conseguidos se nutre la obra de grandes dimensiones diseñada en 1968 para la Basílica de la Anunciación de Nazareth de Galilea (Israel) bajo la técnica de pintura al fresco.

La etapa romana se prolonga hasta 1969 y será enriquecedor el encuentro con el arte del pasado, la Escuela de Siena, y con personajes del presente como Fellini. Renato Guttuso o Bruno Saetti. Y del excepcional entorno surgen nuevos registros que traslada a su obra; ilusión y plasticidad, magia, situaciones irracionales, extravagantes o irónicas se incorporan a su universo, y el discurso pictórico se engrandece con originales aportaciones. Si bien Úbeda se ha interesado vivamente por el paisaje es la figura humana la principal fuente de inspiración; de formas contundentes, distorsionadas se proyecta con fuerza hacia el exterior conformando una rotunda presencia y habitando en los ordenados fondos a modo de planos. Los temas están en concordancia con diferentes ámbitos de su conocimiento y experiencia; actores, directores de teatro, personajes circenses en acción, músicos tocando instrumentos de viento y cuerda o en representaciones corales, se desdoblan en la procura de la máxima expresión. Por añadidura, la sonoridad tiene un gran peso en su obra y el artista ha incorporado el fruto de sus investigaciones en materia musical a su pintura, logrando que cada realización vibre más allá de la temática elegida, de la superficie representada, estableciendo una sólida relación entre sonido, color y forma.

En esas circunstancias se encuentra el pintor Fernando Martín Marqués (Valencia, 1881- Santiago de Compostela,1929 ) de exquisita formación que repartió su vida entre las ciudades de Valencia, Madrid y Santiago de Compostela. Estudió en la Real Academia de Bellas de San Carlos, destacando entre sus compañeros por sus cualidades y aptitudes para el dibujo y la pintura. Finalizada la formación académica ingresa en el estudio del pintor José Mongrell Torrent (Valencia,1870-1937) y con la seguridad que le proporciona la cuidada formación adquirida se siente capaz de afrontar nuevos retos. Por esas fechas su actividad se dirige a la realización de una pintura de caballete de carácter costumbrista, mientras se va forjando en la profesión  e introduciéndose en el mundo de las artes decorativas; entre las obras de primera etapa se encuentra el “Retrato de Rafael Salgado” referido a un joven escolar valenciano en el que se aprecia el “naturalismo” propio de las iniciales etapas. La influencia de la pintura clásica española del Siglo de Oro es visible en las pinturas de vigoroso trazo y se hace ostensible la huella de Sorolla al que trata y estudia.

Martín Marqués muestra su trabajo a través de los circuitos de la época y en ese aspecto mencionamos su presencia en la Exposición Regional Valenciana de 1909 que organizaba el Ateneo Mercantil de la capital, impulsada por su presidente Tomas Trenor e inaugurada por Alfonso XIII y el entonces presidente del Gobierno Antonio Maura. En la Exposición Nacional de Valencia de 1910 presenta la obra “Labradora”, con la que obtiene una Medalla de Plata; en el verano de 1915 participa en la Exposición de Bellas Artes en el Palacio Municipal de Valencia junto a Sorolla, Pinazo y Mongrell.

Alcanzada la treintena, ya cuenta con una trayectoria respetable que le augura un futuro prometedor y la acertada alianza con su cuñado el pintor José Soriano Fort  (Valencia,1873-Paterna, Valencia, 1937) le llevará a nuevos proyectos que se desarrollarán en Madrid. Soriano ejercía de pintor de cámara del XVII Marqués de Cerralbo, Enrique de Aguilera y Gamboa, junto con Máximo Juderías Caballero,  gozando de su total confianza, encargado de llevar a cabo obras y decoraciones interiores del palacio, hoy Museo Cerralbo; en parte de ellas contó con la colaboración de Martín Marqués. 

Una gran parte de su vida transcurre en Santiago de Compostela al ganar en 1914 las oposiciones a la plaza de Profesor Auxiliar en la Escuela de Bellas Artes y Oficios Artísticos. En 1917 obtiene nueva plaza, esta vez la de profesor Especial de dibujo de la Escuela Normal de Maestros y es numerario de la Sociedad Económica de Amigos del País. La ciudad se convertirá en su residencia definitiva al contraer matrimonio con la compostelana Mercedes Varela Solleiro y desde entonces jugará un papel destacado en la vida artística de Galicia. Siendo director de la Escuela de Artes y Oficios forma parte de la Sociedad Gallega de Amigos del Arte, institución responsable de la consolidación de proyectos expositivos en el exterior y mantiene vivas sus conexiones con destacadas personalidades de Madrid y Valencia; cuenta además con la amistad de Antonio Palacios, de Enrique Peinador y retrata a su compañero de docencia el escultor Rafael de la Torre Mirón (Madrid, 1871- Santiago de Compostela,1937).

En el verano de 1923 participó  en la Tercera Exposición de Arte Gallega, en los salones del Palacio Municipal de A Coruña, con las obras  “Frol de toxo” , “Fachada de las Platerías”, “ Rincón de mi estudio”, y Autorretrato”; patrocinada por el ayuntamiento de la ciudad y el Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes, en el catálogo editado se describe la amplia representación de artistas de la época y la extensa suma de obras, unas cuatrocientas, entre pintura, escultura, grabado e industrias artísticas. En ese contexto Martín Marqués facilitó la presencia en la exposición de una muy joven pintora que en adelante se dará a conocer con el nombre Maruja Mallo—entonces firmaba las obras presentadas como Ana María González Mallo—y lo hacía con unas iniciales pinturas (Montserrat, Retrato y Cabeza ) y era una de las escasas mujeres artistas. En los archivos de los herederos de Martín Marqués que custodia su nieto Pedro Rodríguez Martín se encuentran datos que acreditan esa conexión establecida con el pintor y luego con su viuda Mercedes e hijas instaladas en Vigo a partir de los primeros años de la década de los treinta. Y aunque Martín Marqués tuvo una corta existencia, su “status “queda avalado por los hechos y las obras  que han quedado en colecciones de Valencia, Madrid, Galicia y Buenos Aires.

En 1925, era alcalde de la ciudad, Adolfo Gregorio Espino y la donación fue aceptada con la condición de que el pazo fuese destinado a museo, pues Fernando Quiñones de León y Elduayen, marqués de Valladares y de Mos, hijo del marqués de Alcedo, así lo dispuso en sus últimas voluntades. El joven aristócrata, había fallecido a consecuencia de la gripe española de 1918 y al no tener descendencia, el edificio con sus bienes pasó a manos de su padre. Latía, entonces, en la sociedad viguesa el deseo de contar con un gran museo, y al fin, el proyecto se pudo poner en marcha. Aún tardaría en abrir sus puertas al tener que solventar la corporación municipal algunas cuestiones, entre ellas, el pago del usufructo a la viuda de Fernando Quiñones de León, Marianne Whyte; la aristócrata irlandesa, aficionada al deporte había mandado construir una pista de tenis en una de las zonas del parque que sería de las primeras que hubo en Galicia. 

El museo comenzó a funcionar a puerta cerrada, admitiendo las primeras donaciones y creando su patronato en 1934, integrado entre otros por el arquitecto Antonio Palacios y Francisco Javier Sánchez Cantón, subdirector del Museo del Prado. Y en 1937 inició su andadura con el nombre de Museo Quiñones de León y con unas primeras colecciones compuestas por mobiliario y pintura donadas por el empresario y coleccionista Policarpo Sanz. En adelante, la institución irá creciendo y aumentando su patrimonio. Suponemos el apoyo e ilusión que despertó su creación pues gracias a las gestiones de Sánchez Cantón recibió importantes depósitos del Museo del Prado y del Museo Nacional de Arte Moderno. Y Antonio Palacios, con su generosidad proverbial, contribuyó a la causa redactando según su criterio los usos del edificio, proponiendo dedicar la planta baja a la historia de la ciudad y la planta primera enteramente al arte.

En los años sesenta se crearon unas salas dedicadas a los artistas de la vanguardia histórica gallega; algunos de ellos comenzaban a regresar intermitentemente de los países del exilio y ese fue el caso de Arturo Souto quien reunió un selecto conjunto de piezas que fueron adquiridas por la institución. También por aquel tiempo se impulsó la colección arqueológica y se fueron incorporando obras de las nuevas generaciones de artistas, quedando de ese modo reflejada la impronta de cada etapa.

Y como si fuese un mandato del destino, la fuerza del arte quedaría prendida entre los muros del pazo y un capítulo de enorme interés relacionado con sus últimos moradores lleva a esta apreciación que singulariza una pintora de excepcional talento: Antonia de Bañuelos Thorndike (Roma, 1856- Bournemouth,1921); segunda esposa del marqués de Alcedo, la pareja había contraído matrimonio en París en 1891, ciudad donde ella había afianzado sus conocimientos al lado del pintor academicista Charles Joshua Chaplin. Relacionada con destacados personajes del arte de su tiempo entre ellos León Bonnat y Raimundo de Madrazo, cultivó un estilo costumbrista de luminosas tonalidades; demostró una especial sensibilidad para plasmar escenas familiares en las que se aprecia una sobria elegancia y quietud, valores que se agudizan sobre todo en los retratos de niños y adolescentes.

El Museo del Prado cuenta con un autorretrato de la pintora a la que debemos considerar una adelantada pues ejerció su vocación de un modo profesional; participó con éxito en exposiciones internacionales (Salón de París, 1879 y Exposición Universal de París, 1889) y trabajó de manera continua en los estudios de sus residencias de Biarritz y Vigo; en ellas reinaba un verdadero clima intelectual pues el marqués de Alcedo era además de filántropo e historiador, un culto diplomático.

El pazo-museo, sigue a día de hoy reconstruyendo su memoria afianzada por nuevas compras como las que se muestran en la exposición” Recordos do Marqués de Alcedo”; abierta al público hasta mediados de junio está integrada por un conjunto de piezas que el concello de Vigo, adquirió en 2024 a través de una subasta en San Juan de Luz. Pinturas, objetos decorativos y documentos procedentes de Villa Alcedo, la residencia familiar de los Quiñones de León-Bañuelos, en Biarritz cobran nueva vida. De la colección destaca especialmente la obra inacabada “ Autorretrato de Antonia de Bañuelos con sus hijas Isabel y Antonia”. En sus miradas, quizás una oculta premonición: el regreso a los lugares de antaño.